Les animes du printemps 2019

Le printemps est déjà là et c’est peut-être la dernière fois que nous changeons d’heure. Nous vous proposons à nouveau un panel de sorties plutôt éclectique, mêlant succès au box-office et séries plutôt obscures. En espérant qu’il y en ait pour tous les goûts cette saison encore !

Ace of Diamond (TV 3) – Une histoire de pneus

Alors oui je sais les puristes, c’est techniquement l’adaptation de Ace of Diamond Act II, mais c’est aussi la suite directe la série sortie entre 2013 et 2016. Donc on va éviter de se faire des nœuds à la tête. Le résumé de la série ne change du reste pas beaucoup : Eijun Sawamura est un élève de première au lycée tokyoïte de Seido. Il a pour objectif de devenir le lanceur principal de son équipe de baseball et remporter le tournoi national. Les élèves de terminale sont partis, les autres doivent donc gagner en maturité pour encadrer la nouvelle fournée de joueurs comme les receveurs Yui et Okumura, ou encore le frappeur Masashi Yuki, le petit frère de l’ancien capitaine de l’équipe. Oui, si je ne pense pas cette nouvelle saison hermétique à ceux qui arriveraient en route, je ne peux que leur conseiller de rattraper leur retard. Je sais en tout cas que je me ferai plaisir à la regarder encore pour la troisième ou quatrième fois.

On s’inscrit de facto dans la droite lignée, y compris dans cette adaptation qui ne cherche pas à réinventer la route. Le portage à l’écran est une nouvelle fois assuré par le studio Madhouse et le réalisateur Mitsuyuki MASUHARA. L’histoire est toujours adaptée par Kenji Konuta (qui avait réussi à glisser intelligemment du foreshadowing) On y retrouve les mêmes animateurs qui pour certains ont monté en grade à l’image de Ryo KOBAYASHI et Shinichi YOSHIKAWA. Outre les nouveaux doubleurs, le sang neuf arrive avec le musicien Hajime HYAKKOKU (K-ON) et le directeur artistique Sawako TAKAGI (Bleach).

Côté nouveaux personnages, le rebelle Okumura sera interprété par Yūma UCHIDA et je vais avoir du mal à ne pas éclater de rire, car c’était la voix de Kitahara dans Grand Blue. Mais le plus gros challenge sera d’entendre Ayumu MURASE, le doubleur de Hinata dans Haikyu!!, interpréter Yui, un personnage assez différent.

Afloplouf

Carole & Tuesday – Musique de demain

Il y a des noms qui imposent le respect. Shinichirô WATANABE est passé d’inconnu à réalisateur star de l’animation japonaise avec une série : Cowboy Bebop. Sortie en 1998, la série décrivait les aventures d’un cowboy de l’espace. Et encore aujourd’hui, l’œuvre est peut-être un des plus grands succès de l’animation japonaise.

Succès, mais succès relatif. Car si Watanabe jouit d’une réputation sans précédent en Occident, il n’en est pas exactement de même au Japon. D’ailleurs, beaucoup de ses productions plus récentes ont été sauvées par le public occidental.

Et lorsque le moment est venu de monter un nouveau projet, la question se pose : que faire ? La réponse a été apportée sur un plateau d’argent par Netflix, qui possède un contrat avec le studio Bones, auquel est intimement lié Watanabe, puisqu’il a été fondé par les anciens de la production de Cowboy Bebop. Carole & Tuesday est une série d’animation japonaise produite par des occidentaux pour des occidentaux. Simple, efficace, et finalement très logique.

La dimension internationale de la production a été mise au cœur du projet. On sait l’attachement très particulier de Watanabe à la musique ; on ne compte plus les articles, plus ou moins ennuyeux, qui commentent en long et en large l’utilisation de la musique dans Cowboy Bebop, et les nombreux animes pour lesquels il officie comme producteur de la musique. Quoi de plus logique, donc, d’ouvrir un casting mondial pour les rôles des deux interprètes principaux ?

Car l’argument du projet fait grande place à la musique. La série raconte l’histoire de deux jeunes filles, Carole et Tuesday, que tout semble opposer… sinon la passion de la musique. Dans un monde où l’humanité a migré vers Mars et où la production culturelle est monopolisée par l’intelligence artificielle, il s’agit du récit de deux personnalités à contre-courant, qui s’associent pour lutter contre la marche du monde.

Lutter contre la marche du monde… ou contre la marche de l’animation. La série s’annonce comme un véritable plaidoyer pour la création humaine, dans une industrie qui laisse de plus en plus la place à l’automatisation, des procédés de colorisation qui sont entièrement assistés par ordinateur, jusqu’aux formes les plus horribles de 3DCG. Contre la technique ? Certainement pas ; mais pour réaffirmer la place de l’homme au sein de l’écosystème technologique qu’il se construit.

La série promet d’adopter un angle original pour se saisir des problèmes intemporels de la science-fiction, le tout sur fond musical. Un programme convaincant porté certes par Watanabe, qui supervise la production, mais également par Motonobu HORI, animateur de l’ombre, relégué surtout à la direction d’épisodes ou de l’animation, et pour qui il s’agit d’un projet de rêve pour montrer toute l’étendue de son savoir-faire. Le character design de Tsunenori SAITÔ ne sera pas dépaysant pour les connaisseurs de Bones, en charge du projet, puisqu’il en est une figure récurrente depuis des années.

Une équipe de production solide, un studio qui a largement montré ce dont il était capable et un argument simple mais diablement efficace : j’ai de très bonnes raisons d’attendre d’excellentes choses de Carole & Tuesday.

Minuit

Fairy Gone – The Grimm Reaper

Quand la discussion devient de plus en nerd et qu’on s’aventure sur les mythologies, j’aime être edgy et clamer que je préfère celle des celtes. La mythologie celtique, ça ressemble pas mal à celle des pays du nord, mais en moins bourrin et beaucoup plus glauque et gris sur qui est dans son bon droit et qui ne l’est pas. Évidemment, vu que c’est occidental et bien moins connu que celle des grecs, on voit rarement ça en anime, mais le manga et anime Mahoutsukai no Yome avait constitué un beau précédent.

J’ignore donc où le studio PA Works est allé chercher son idée d’un anime original (!) là-dessus, mais je ne peux qu’applaudir de tous mes membres. Mieux, ils semblent être partis pour quelque chose de bien glauque et sombre, ce qui colle à merveille. En effet, l’action se déroule dans un monde où les fées (les créatures inhumaines celtiques, pas les nénettes ailées mignonnes de chez Walt Disney) possèdent les animaux et où il est possible, en greffant leurs organes à des humains, d’utiliser leurs pouvoirs. La race humaine étant ce qu’elle est, il ne faut pas longtemps pour que des soldats fées soient utilisés sur les champs de bataille d’une guerre mondiale. Après celle-ci cependant, ces armes humaines retournées à la vie civile sont la sources de nombreux problèmes et une police spéciale appelée « Dorothea » est créée afin de gérer ces affaires. L’héroïne, Maria, en est la nouvelle recrue.

Il y a beaucoup à dire sur tout ça, mais le potentiel est là. Les fées chez les celtes sont très proches de la nature, ce qui pourrait faire une opposition assez sympa avec le setting steampunk qui semble avoir été choisie. Mieux, le contexte ouvre la porte, si le studio s’en donne la peine, à des histoires pleines de syndromes post-traumatiques bien tragiques.

Certes, le trope de l’organisation de freaks qui s’occupe d’autres freaks est millénaire en japanimation, mais ça ne veut pas dire que l’on ne peut rien faire avec. Là où PA Works a eu du nez, c’est qu’ils sont allés chercher Kenichi SUZUKI pour diriger leur série, le réalisateur des adaptation des mangas sanglants, malsains et barrés de Kohta HIRANO (Hellsing, Drifters) mais aussi récemment les saisons 1 à 3 de JoJo’s Bizarre Adventures ! Bref, malgré la décision extrêmement regrettable d’animer les créatures aux designs géniaux en 3D, Fairy Gone devrait proposer quelque chose de plutôt sympa cette saison. Peut-être pas à la hauteur de mes attentes démesurées ceci-dit.

Zanzake

Fruits Basket – Mon cœur en compote

On s’attaque ici à un monument du shôjo. Fruits Basket est une œuvre qui a marqué sa catégorie, et qui a su trouver son public aussi bien en orient qu’en occident. Les éditions ont été multiples, les ventes se comptent par millions, et nous avons déjà eu droit à une série animée qui a elle aussi rencontré le succès. L’auteure Natsuki TAKAYA a cependant demandé que tout soit renouvelé à l’occasion de cette nouvelle série, qui sort plus de 10 ans après la fin du manga et couvrira totalement ce dernier.

Pour les quelques ignorants (et ce n’est pas une tare, loin de là), faisons un rapide rappel de l’histoire. Toru Honda est une lycéenne qui vit seule dans une tente depuis la mort de sa mère. Sans le savoir, elle l’a plantée sur un terrain appartenant à la prestigieuse famille Sôma. Shigure, l’un des membres de celle-ci, la trouve et l’invite à venir habiter dans sa demeure, située sur le même terrain, moyennant les tâches ménagères et la cuisine comme loyer. Elle va y rencontrer Yuki et Kyo, deux garçons de son âge et cousins de Shigure. Mais la cohabitation s’annonce difficile : une malédiction sévit dans la famille, et son poids est bien plus lourd à porter qu’il n’y paraît.

Laissons le plaisir de la découverte à propos de la nature de la malédiction pour ceux qui ne connaissent pas encore l’histoire et intéressons-nous à l’aspect technique. Comme dit précédemment, à la suite du souhait de l’auteur, nous repartons de zéro pour cette nouvelle mouture. Le studio DEEN laisse place à TMS Entertainment (Megalo Box), et Yoshihide IBATA (FLCL Progressive le film, Pikaia!), qui n’a rien fourni de transcendant pour le moment, prend le poste de réalisateur. Le nouveau chara design, plus proche des canons d’aujourd’hui, est de Masaru SHINDO (Macross Delta, SNAFU). Quant au script, nous aurons un habitué des adaptations en la personne de Taku KISHIMOTO (Haikyu!!, Silver Spoon).

Qu’attendre de cette nouvelle adaptation ? Finalement, pas grand-chose. Certes, elle couvrira l’ensemble de l’histoire, mais la réalisation bien sage ne semble pas apporter grand-chose par rapport au manga. Si vous ne connaissez rien de Fruit Basket, sans doute s’agit-il d’une belle porte d’entrée pour découvrir son histoire marquante. Si vous l’avez déjà lue, je doute que vous ne ressentiez rien d’autre qu’une légère nostalgie. Hormis, bien sûr, si retrouver ces personnages vous comble de joie. Si c’est le cas, foncez.

Rydiss

Les rôdeurs de la nuit – Walking Ogre

La Shueisha continue ses adaptations des nouveautés du Weekly Shonen Jump avec Les rôdeurs de la nuit, Kimetsu no Yaiba en VO. Au début du XXème siècle, toute la famille du jeune Tanjiro est massacrée par un ogre. Toute ? Non, sa petite sœur Nezuko a survécu au prix d’une partie de son humanité : elle est devenue à son tour une ogresse. Je sens que les fans vont m’envoyer des assassins à mes trousses mais les ogres dans les rôdeurs dans la nuit sont essentiellement des vampires: ils craignent la lumière du soleil, ils sont plus forts/rapides/agiles que la moyenne, ils mangent de la chair humaine… Même si je dois avouer que j’avais une forte impression de lire un manga de zombies qui ne m’a pas plus passionné que ça.

J’ai du mal avec le trait de Koyoharu GOTOUGE mais sur le papier le choix de l’ère Taishô est très intéressante : une période au pouvoir central faible entre la période Meiji qui avait commencé la modernisation/occidentalisation et l’ère Shôwa qui a poursuivi ce mouvement accompagné d’une forte nationalisation/militarisation. Au final, la courte ère Taishô est assez peu exploitée. Mais je suis blasé des histoires vampires/zombies et malheureusement, je ne semble pas être le seul car les ventes françaises ont été a priori assez mauvaises. Espérons que cette adaptation lui permette enfin de toucher son public ; le succès de Kingdom chez Netflix prouve qu’il y a de la demande.

La série a été confiée au studio ufotable qui a sa base de fans et je suis du reste toujours curieux de voir les débuts d’un réalisateur : Haruo SOTOZAKI. Le chara-designer Akira MATSUSHIMA a déjà pu exercer ses talents sur Maria-sama ga Miteru et surtout les adaptations Tales Of. Le directeur 3D Kazuki NISHIWAKI et le directeur de la photographie Yuichi TERAO ont déjà travaillé ensemble. Et surtout si on rajoute la présence de la compositrice Yuki KAJIURA à la musique, la série met clairement plusieurs ingrédients de son côté pour percer. Cette série ne sera vraisemblablement pas pour moi mais je reste quand même intéressé de lui laisser une nouvelle chance à la faveur de ce nouvel enrobage.

Afloplouf

Kono Oto Tomare! – Casser la voix (et la corde)

Ah, la musique. Quel magnifique sujet, dont l’animation japonaise s’est emparée avec brio : Beck, Nodame Cantabile, Your Lie in April, Sound! Euphonium… Le succès commercial et critique a notamment souvent été au rendez-vous. Cependant, on remarquera qu’il s’agit de musique créée par des instruments… communs et connus, dirons-nous. Et si nous abordions un peu plus l’aspect traditionnel du Japon ? Le koto, cet instrument à corde typiquement japonais, ça vous parle ? Non ? Alors, pourquoi ne pas donner sa chance à cette série et le découvrir à travers elle ? Voici Kono Oto Tomare!, une adaptation du manga toujours en cours de AMYU (20 volumes).

Rien de tel qu’un lycée et un club pour découvrir ce qu’est le koto. Et comme de bien entendu, ledit club a un problème. En l’occurrence, le jeune Takezô est le dernier membre du club de koto. S’il ne trouve pas de nouveaux membres, il devra fermer. Malheureusement, personne ne souhaite le rejoindre. Au moment de rendre les armes, un lycéen entre en trombe et clame qu’il veut s’inscrire. Mais il ne s’agit pas de n’importe qui : Chika Kudô est un délinquant connu, véritable aimant à problème.

Alors, qui se propose pour animer cette énième série centrée sur la vie lycéenne ? Le studio Platinum Vision (Saiyuki Reload Blast, Servamp) va s’en charger, avec à la barre le réalisateur complètement inconnu Ryôma MIZUNO. C’est littéralement la première fois que son nom apparaît sur une série. Les personnages ont été confiés à la plus connue Junko YAMANAKA (Détective Conan, ReLIFE), qui aura en plus la charge de gérer l’animation avec Toshimitsu KOBAYASHI (Devil’s Line). Je ne sais que penser de cette équipe.

Ces prémices classiques (club lycéen, personnages que tout oppose…) sont ce qui m’a attiré : je m’attends à voir un anime centré sur des personnages attachants et plus axé sur leur relation que sur la musique. Il y a un petit côté dramatique qui intrigue, et quand bien même je n’attends pas une révolution, le peu vu m’a donné envie.

Rydiss

Kono Yo no Hate de Koi wo Utau Shoujo YU-NO

C’est devenu presque un poncif de répéter à chaque saison que l’industrie de l’animation japonaise est en surproduction et, du fait de sa frilosité extrême à tenter des projets originaux, en manque de matériel à adapter. De fait, cela fait quelques années que de vieilles licences se voient réanimées pour un nouveau projet, et parmi celles-là on trouve des œuvres qui ont durablement marqué l’histoire de notre sous-culture favorite. Kono Yo no Hate de Koi wo Utau Shoujo YU-NO (la fille qui chantait l’amour aux confins de ce monde, YU-NO) en fait partie.

YU-NO est un visual novel érotique (eroge) sorti en 1996 au Japon, à un moment d’essor de l’industrie de l’eroge qui depuis quelques années ambitionne d’hybrider le jeu de drague porno basique, qui constituait l’essentiel du genre jusqu’ici, au jeu d’aventure textuelle, pour proposer une vraie expérience narrative et visuelle au joueur. Le studio Elf et son fondateur Hiroyuki KANNO sont certainement les figures les plus emblématiques de cette période, et YU-NO est leur plus grand succès.

Une fois que l’on a posé l’importance historique de YU-NO, il reste néanmoins à se demander ce que peut apporter son adaptation anime en 2019. Cette adaptation n’est pas un déterrage complet, puisque le jeu lui-même a déjà eu un remake sorti en 2017, qui a réactualisé le chara-design et la narration. Mais la question est de savoir si l’histoire de YU-NO, à la fois assez ancrée dans son époque et s’appuyant beaucoup sur le type de narration hautement non-linéaire permis par le genre du visual novel, gardera son intérêt sous forme de série animée. En effet, cette histoire d’un lycéen un peu quelconque ayant récemment perdu son père et se retrouvant embarqué dans une histoire de mondes parallèles ne paraît plus forcément d’une grande fraîcheur aujourd’hui.

Celui qui devra faire quelque chose de tout ça, c’est Tetsuo HIRAKAWA, réalisateur et chargé de la composition de la série. Certes un animateur talentueux avec de l’expérience du storyboard, mais dont c’est seulement la deuxième série en tant que réalisateur (après Grimoire no Zero, qui n’a pas vraiment marqué les esprits je crois). Il œuvrera au sein du studio Feel, ce qui ne nous dit pas grand chose, tant la réussite d’un anime au sein d’un studio sans idiosyncrasie tient à des contingences difficiles à prévoir. A surveiller tout de même.

Down

Magmel of the Blue Sea – Un monde de perdu, dix de retrouvés

Gunjô no Magmel est un shonen débuté en 2014. Fait suffisamment rare pour être souligné, c’est un manhua venant de Chine, ce qui suffit à faire de son adaptation animée un genre de créature style Bigfoot ou Nessie. Malheureusement pour lui, il semble être resté assez confidentiel (6 pages sur le wiki dédié, c’est un peu pathétique pour un manga vieux de 4 ans, il faut l’avouer) et il est difficile de trouver grand chose à son sujet sur le net.

Le setting, lui, est celui de Magmel, un continent mystérieusement surgi des eaux sur lequel une faune, une flore et une géologie inconnues sont la porte ouverte à la richesse et à la célébrité pour tout ceux qui oseront les braver et en surmonter les dangers. Les Anglers, des sauveteurs et explorateurs agréés, ramasseront, eux, les restes des autres.

Pour avoir lu le peu qu’on peut en trouver le net, Magmel présente un début de shonen extrêmement basique où l’on trouve un gloubiboulga de tout et n’importe quoi : super pouvoirs, héros cheaté, gros monstres, machines ultramodernes et gamine Neet. Pour être franc, ça ressemble à un mix entre Fairy Tail et Toriko, et je dis pas ça pour complimenter.

Là où un auteur Chinois aurait peut-être pu apporter un bagage culturel unique pour proposer quelque chose s’éloignant des canons habituels de l’industrie, Di Nian Miao semble surtout avoir réussi à transformer en œuvre professionnelle le manga qu’on rêvait tous d’écrire quand on avait 10 ans. Son Manhua ayant tout de même 5 ans en 2019, il est ceci dit possible qu’il réserve des surprises et que la qualité se soit élevée au fur et à mesure. Si c’est le cas, il y a cependant peu de chance que l’anime en soit témoin…

En attendant, l’adaptation est aux mains du studio Pierrot, dont on connaît la passion pour les séries shonens sans fin alimentées par des fillers à la qualité hautement discutable. Hayato DATE, qui a travaillé surtout sur Naruto et ses innombrables saisons, OAV’s et épisodes spéciaux ne devrait donc pas proposer quelque chose de particulièrement surprenant à la réalisation. A ses côtés, Chuuji MIKASANO semble avoir créé à lui tout seul les 2 saisons de l’anime Tokyo Ghoul vu le nombre de casquettes dont il est crédité.

A moins d’une surprise, Magmel of the Blue Sea ne devrait pas proposer grand chose d’intéressant, mais il y aura toujours des clients pour un petit shonen de combats et d’exploration décomplexé.

Zanzake

Mayonaka no Occult Kômuin – De quoi tomber sur l’occulte

Vous commencez sûrement à me connaître : cet anime ne parlera pas d’une belle histoire d’amour ou d’un aspect tranches de vie contemplatif. Mayonaka no Occult Kômuin est un anime à grande tendance surnaturelle, mêlant la présence des forces de l’esprit et leur conséquence sur la vie des humains vivants.

Avec huit tomes parus au Japon, écrits par Yōko TAMOTSU, le manga original nous présente Arata Miyako, jeune recrue au département chargé des affaires occultes à Shinjuku. Si Arata est parvenu à intégrer ce service, c’est qu’il a la particularité d’être un linguiste hors-normes : il comprend les langues inhumaines. Tout se passe à peu près normalement dans un contexte pareil, jusqu’au jour où Arata fait la rencontre d’un yokai, qui lui apprend qu’il est la réincarnation d’Abe no Seimei, un exorciste et devin fort connu.

Bon, ce n’est pas un anime glauque à souhait puisqu’il est mélangé à une petite dose de comédie, ou en tout cas de légèreté. L’anime regroupe quant à lui un staff plutôt expérimenté, notamment Tetsuya WATANABE à la réalisation, Masato YOSHITAKE au montage, Yota TSURUOKA à la direction du son, ou encore Hitoshi TAMURA à la photographie, le tout regroupé autour du studio Liden Films. A noter également la présence de Kiyomune MIWA, responsable des recherches liées à l’occulte, qui a aussi œuvré au même poste sur l’anime Lord El-Melloi II’s Case Files : Rail Zeppelin Grace Note, prévu pour cette année.

En plus de la série qui sera diffusée dès ce mois d’avril, un épisode spécial (OAD) est même déjà programmé pour le 22 novembre prochain, pour coïncider avec la sortie du tome 12 au Japon. Il semble que peu importe le succès public de la série d’animation, la licence continuera d’avoir de beaux jours devant elle.

Sacrilège

Mix – Maison originale d’animation sportive depuis 1970

Alors que les séries sportives reviennent sur le devant de la scène, il y a un Don qui n’a toujours pas décidé de prendre sa retraite. Un peu de baseball, pas mal de comédie et beaucoup de romance, des personnages au chara-design immuable… Mitsuru ADACHI, 68 ans, n’a pas fini de raconter toujours la même histoire. Et à chaque fois, je suis captivé. On peut même parler de boucler le cycle avec Mix.

S’il avait d’autres titres au compteur, l’auteur s’est fait connaître au début des années 80 avec Théo ou la batte de la victoire, peut-être mieux connu sous le titre de Touch. Deux jumeaux au destin chamboulé et au milieu, une fille. Si les univers et les personnages de Mitsuru ADACHI semblent toujours sortir du même moule, ici c’est littéral.

Nous sommes 20 ans plus tard, dans la même ville. Signe des temps, les frères sont cette fois d’une famille recomposée. Rigolez pas, il y a pas si longtemps ADACHI lui-même blaguait que ces ados n’avaient bizarrement jamais de téléphone portable, c’est donc une vraie preuve de modernité. Si Mix passe son temps à aiguiller la curiosité des vieux fans, Mix n’en est pas pour autant une compilation fan-service et même un novice trouvera son compte. J’adore la nouvelle vague beaucoup plus « énervée » mais ce n’est pas que de la nostalgie qui me fait apprécier ce tempo posé qui laisse du temps aux regards et aux non-dits.

Je suis plus circonspect sur cette adaptation confié au trop sage studio OLM à qui l’on doit récemment Major 2nd. J’espère un peu plus de personnalité de la part du réalisateur Toshinori WATANABE qui a travaillé sur… *regarde ses fiches*… Soul Buster et Tokyo Ghoul… Ouais en fait s’effacer pour offrir ce dernier tour de piste de ce monstre sacré c’est bien aussi.

Afloplouf

One Punch Man (TV 2) – Garô chasseur

Bon, j’ai essayé de faire mon provocateur en pantoufle la saison dernière en louant surtout son petit frère, Mob Psycho, qui nous a illuminés cet hiver. Mais on va pas se cacher : la grosse hype de la saison, elle est là et c’est pas des pauvres dragons en CGI qui lui feront concurrence. Le scénario de One Punch Man (OPM pour les intimes) tient sur un post-it : dans un monde de super héros, un employé de bureau sans charisme devient après un entraînement dont il a le secret l’homme le plus fort du monde : un seul coup de poing lui suffit à terrasser ces ennemis qui finissent éparpillés façon puzzle. Le décalage comique vient de son apparence quelconque, son costume banal et que tout le monde ou presque ne connaît pas ses vrais pouvoirs. Surtout, le titre s’est fait un nom avec le coup de crayon sublime de Yuusuke MURATA pour le manga et une animation folle dans son adaptation en 2015 par Madhouse.

Et c’est là qu’on commence à couiner en voyant que cette nouvelle saison sera cette fois sous la houlette du studio JC Staff. Si ce dernier a ses aficionados, tout le monde s’accordera que ce pas la qualité de l’animation qui est leur marque de fabrique… C’est même un nouveau réalisateur qu’on annonce aux manettes : Chikara SAKURAI qui a une longue expérience dans l’industrie mais peu d’expérience à ce poste. On se rassure en remarquant que le chara-designer Chikashi KUBOTA est de retour mais il n’est pas cette fois (en tout cas pas encore) crédité comme directeur de l’animation. Si on a pas encore eu l’occasion de l’écouter, le nouveau générique d’intro sera une nouvelle fois de JAM Project tandis que, fait amusant, le générique de fin sera interprété par le comédien de doublage de Saitama, Makoto FURUKAWA ! Du reste, l’ensemble du casting voix semble revenir aux affaires. Y’a plus qu’à allumer des cierges pour que cette nouvelle saison draine comme la première son lot de guests sur les épisodes.

Afloplouf

RobiHachi – Vers l’infini et au-delà !

Oh, mais que vois-je ? Une série originale de science-fiction sans gros robot ? Il me semble qu’on n’a pas vu cela depuis Space Dandy, non ? Que se passe-t-il ? Enfin, on ne va pas bouder son plaisir. Car en effet, le genre mecha à la Gundam (les puristes me pardonneront ce raccourci) est ce qui prédomine en science-fiction dernièrement. Du coup, voir une série typée « buddy movie » débarquer sur les écrans, cela intrigue un peu. De quoi ça parle au fait ?

L’univers a été colonisé par l’humanité il y a plusieurs années, notamment grâce à la découverte du déplacement à la vitesse de la lumière. A Neo Tokyo, Robby Yarge est reporter. Ou plutôt, était. Car le mauvais sort s’acharne sur lui : son contrat est rompu, sa petite amie le largue, il échappe de peu à la mort dans un accident de la circulation et il est criblé de dettes. Cerise sur le gâteau, on lui vole son sac. Heureusement, Hachi, un jeune homme débrouillard, le récupère. Mais il s’avère qu’il est aussi envoyé pour récupérer l’argent qu’a emprunté Robby à un dénommé Yang… Pas d’autre solution que la fuite pour Robby, qui décide de mettre les voiles vers Isekandar, planète légendaire où le bonheur serait éternel. Sauf qu’un passager clandestin a réussi à s’infiltrer dans son vaisseau : Hachi.

Bon, ça n’a pas l’air si mal comme amorce. Cela semble être un bon divertissement sans prise de tête. D’autant plus que nous avons un vétéran à la tête du projet : Shinji TAKAMATSU, réalisateur entre autres de Gintama. Il se basera sur le scénario de Hiroko KANASUGI (NouCome), assez peu connu. Les personnages seront dessinés par Yûko YAHIRO, plus connu pour son travail de directeur de l’animation (Haikyu!!, Katana Maiden), et tout sera animé au studio Comet (Jewelpet), qui n’a pas offert de chefs d’œuvre pour le moment.

Ces informations techniques n’annoncent rien de grandiose, c’est sûr. Pour autant, reconnaissons qu’il y a une petite prise de risque qui fait plaisir. Alors oui, je suis optimiste, car les dernières créations originales que j’ai pu voir se déroulaient dans un lycée (et j’en peux plus), donc de la science-fiction, wohla. Comprenez que j’ai envie d’y croire. Ce ne sera pas une œuvre majeure, mais si elle arrive à me divertir avec son univers spatial mâtiné de chasse au trésor, alors le contrat sera rempli pour moi.

Rydiss

Sarazanmai – Symbolisme et coït anal

Vous connaissez Ikuhara. Ce n’est même pas une question : c’est un fait.

Imaginez un peu un théâtre. D’un côté vous avez les acteurs que tout le monde voit et applaudit, et d’un autre côté, tout le reste, ce qui demeure caché, dans les coulisses, du début jusqu’à la fin du spectacle. Ikuhara, c’est un petit peu les deux à la fois.

Ses rares sorties (Utena, puis Mawaru Penguindrum et Yurikuma Arashi) sont des coups d’éclat qui lui ont valu des armées d’admirateurs un petit peu évangélistes dans l’âme, mais c’est surtout un de ces hommes de l’ombre qui a influencé, pour ne pas dire formé, un nombre incalculable d’artistes, de Takuya IGARASHI (Ouran High School, Soul Eater, Bungô Stray Dogs) à Mamoru HOSODA (faut-il citer ses films ?).

Bref, si le nom vous est inconnu, si vous n’avez jamais rien vu de ce qu’il a pu réaliser, vous êtes peut-être un malheureux ignorant resté dans l’ombre de la lumière divine, mais enfin, vous connaissez quand même Ikuhara, sans le savoir. Première surprise.

Deuxième surprise : les fujoshis servent enfin à quelque chose. Petit rappel pour les ignares du fond de la classe, les fujoshis, ce sont ces folles hystériques qui décident que les romances gays, c’est mieux, et tant pis si elles sont des filles. Les mêmes qui avaient mis Internet à feu et à sang à la sortie de Free! et qui avaient nosebleedé partout sur la toile en répandant comme des métastases des fanarts de Viktor et Yuri.

En effet : Ikuhara change un peu ses habitudes. L’Ikuhara que l’on connait, même s’il a toujours mis en avant tout ce qui ne relevait pas de l’hétérosexualité la plus normale, s’était jusqu’ici beaucoup cantonné à l’homosexualité féminine, façon magical girl. Mais dans Sarazanmai, le casting est quasiment exclusivement masculin. A cela, l’intéressé répond que cela faisait longtemps qu’il avait le projet d’un tel anime, qu’il n’avait simplement jamais eu l’occasion. Comprendre que le marché ne le permettait pas. Donc merci mesdames les fujos, on vous aime.

Mais alors, de quoi parle exactement Sarazanmai ? C’est une très bonne question. Le synopsis évoque (évidemment) des histoires d’amour et de destin assez mystérieuses, qui semblent relier trois garçons auxquels on aurait pris leur shirikodama, un organe mystique que les kappas, sortes de grenouilles inquiétantes du folklore japonais, arrachent aux nageurs par l’anus. Les protagonistes vont donc devoir aller récupérer leur shirikodama dérobé (et on vous laisse deviner comment, même si on a notre petite idée). Rajoutez à l’équation des démons dans des colis Amazon, une mystérieuse et ambiguë jeune femme, un couple de policiers très séduisants et un (très gros) soupçon de symbolisme omniprésent, et vous avez tous les ingrédients.

Enfin, non. Pas tous les ingrédients exactement. Ikuhara et son équipe ont pris plaisir depuis des mois à disséminer partout sur le web de petits indices aussi incompréhensibles les uns que les autres. Les amateurs pourront, en attendant la diffusion de la série, aller fureter sur les comptes Twitter officiels mais aussi aller jeter un œil à un manga spin-off, un brin très beaucoup shounen-ai (vous êtes prévenus) qui s’intéresse à notre fameux couple de policiers.

Cependant, l’originalité ne s’arrête pas au synopsis : les premières images montrent des personnages animés intégrés dans des images en prise de vue réelle. Le résultat est assez bluffant, il faut le reconnaître. Et pour cause, Ikuhara est bien entouré.

La sortie d’une nouvelle série d’Ikuhara est toujours un événement, mais elle en est d’autant plus un lorsque c’est l’excellent studio MAPPA qui est aux commandes. Pour le reste, dieu Ikuhara a rassemblé ses fidèles : dont Yukari HASHIMOTO, qui l’accompagne depuis Mawaru Penguindrum et compose la musique de la série, et Nobuyuki TAKEUCHI, directeur de l’animation sur le film Utena, ici réalisateur en chef.

On ignore tous où la série va nous mener, mais en tout cas, pour ma part, je saute les deux pieds joints dans le bateau. Car que l’on aime ou que l’on déteste, personne ne pourra jamais enlever à Ikuhara ni son savoir-faire, ni son extravagante originalité. Et au fond, c’est pour ça qu’on le vénère. Amen.

Minuit

Sewayaki Kitsune no Senko-san – Une kitsune à domicile

Imaginez-vous ! La trentaine déjà passée, les huit à dix heures de travail par jour, la fatigue qui vient persécuter votre corps, accompagnée par de nombreuses douleurs aux muscles. Vous voilà maintenant prêt à rentrer chez vous, pour manger un morceau, vous écrouler et dormir avant de recommencer le même schéma le lendemain, jusqu’à la fin de vos jours. Heures supplémentaires, dernier train, repas à la va-vite prévu avant d’aller se coucher, c’est ce qui attendait Nanako jusqu’au retour dans son appartement. Une étrange mais délicieuse odeur à la cuisine, et voilà qu’une petite demoiselle miniature, avec des oreilles et une queue de renard est présente ! Nommée Senko, la kitsune est une messagère divine envoyée par les cieux pour s’occuper de Nanako et lui permettre de mieux vivre ! Une nouvelle cohabitation va donc commencer pour le jeune homme !

Sewayaki Kitsune no Senko-san est l’adaptation du manga du même nom, qui existe depuis 2017 avec trois volumes et qui est toujours en cours. La première et unique œuvre à l’heure actuelle de Rimukoro, l’adaptation animée de ce manga a été confiée à Doga Kobo, un studio connu récemment pour Gabriel DropOut et les deux saisons de Himouto! Umaru-chan. Outre cela, les deux seiyuus principaux seront Azumi Waki (Galko dans Please tell me ! Galko-chan) pour Senko et Junichi Suwabe (Yami Sukehiro dans Black Clover) pour Nakano.

Un studio qui a fait ses preuves depuis plus de 45 ans, un manga qui a un charme certain, Sewayaki Kitsune no Senko-san aura le parti pris de l’animé relaxant de la saison. Aucune action, aucune aventure, aucun érotisme, rien de tout ça, Senko est l’incarnation même de la femme rêvée qu’une majorité d’hommes aimerait avoir chez soi en rentrant à la maison. Bon, une femme avec des attributs de renard en prime, mais ça ne fait que rajouter des points en plus à la demoiselle. Ainsi, il n’y a aucune crainte à considérer que pour les amateurs de slice of life, Sewayaki Kitsune no Senko-san sera une valeur sûre pour se détendre et se relaxer en ce printemps 2019.

ShiroiRyu

Shômetsu Toshi – Netflix wannabee

Et revoilà la série « dark » habituelle de la saison. Mais si, vous savez ce que c’est. Ne faites pas semblant. Si je vous dis monde futuriste, complots politiques, surnaturel, ambiance « sombre »… Ça y est, vous commencez à cerner la bête ? Netflix en est devenu un spécialiste du genre. Pour le coup, la plate-forme n’est pas derrière cette adaptation d’un jeu mobile. Et si j’en parle, c’est parce que ça a l’air bien naze. Rien que le synopsis fait rêver.

Dans un futur proche, une ville disparaît. A sa place se dresse un gouffre géant, nommé Lost (quelle originalité…). La jeune Yuki a cependant survécu par miracle, mais elle ne conserve aucun souvenir de cet événement. Que s’est-il réellement passé ? Est-elle vraiment la seule survivante ? Son seul indice est une lettre laissée par son père. Déterminée à découvrir ce qu’il se trame derrière ce tragique événement, Yuki se dirige vers Lost avec Takuya, un roublard. Mais certaines personnes ne souhaitent pas que la vérité éclate au grand jour et vont tout faire pour empêcher Yuki d’atteindre son objectif.

Voilà, voilà, ça ressemble à peine à… Hmm, disons AICO, mais passons. Le studio Madhouse (Monster, ACCA, A Place Further Than the Universe) doit être dans une sacrée difficulté pour accepter d’animer ce scénario. Mais qui suis-je pour juger ? Shigeyuki MIYA occupe le poste de réalisateur, et disons que ce son CV rassure un peu (Blood Lad, Lupin III). Le chara-designer sera le plutôt talentueux Tomoyuki SHITAYA, armé de son bon coup de crayon (Bakuman, Food Wars). Pour le coup, je reconnais que certains protagonistes m’ont tapé dans l’œil. Mais la grosse surprise reste de voir le nom de Kenji KAWAI à la musique (Ghost in the Shell, Mob Psycho 100, Apocalypse). Les enfoirés. Il y a des chances que je mate la série juste pour ça.

Vous l’avez compris en lisant ces lignes, je ne suis guère emballée par ce Shômetsu Toshi. En fait, je ne sais même pas pourquoi j’ai écrit à son sujet. Cependant, sans doute vais-je avoir tort. Peut-être que cette série va s’avérer être de qualité. Mais avec un tel synopsis et mes dernières expériences dans ce genre « future proche surnaturel », j’en doute.

Rydiss

We Never Learn – L’éternel second

Yuiga est un lycéen qui a un but simple et honnête dans la vie : obtenir une bourse d’études pour que sa famille, qui ne vit pas dans le luxe, n’ait pas à débourser de l’argent pour son avenir. Le proviseur serait d’accord pour lui donner cette recommandation menant à la bourse d’études à une seule condition : qu’il s’occupe du cas des deux génies de l’école : Furuhashi Fumino et Ogata Rizu. La première est douée dans les arts littéraires alors que pour la seconde, les mathématiques n’ont aucun secret. Le souci dans cette histoire ? C’est que Fumino veut aller vers une université scientifique tandis que Rizu veut partir vers une université littéraire. Et autant dire qu’elle ne sont pas très douées dans ces domaines. Pour Yuiga, sa bourse est en jeu et pour l’obtenir, une seule solution : devenir tuteur des deux demoiselles et les faire partir vers les universités désirées !

Avec dix volumes à son actif et toujours en cours, We Never Learn est la comédie lycéenne romantique de ces dernières années dans le Weekly Shonen Jump. Il faut savoir que le mangaka Tsuitsui TAISHI n’en est pas à son coup d’essai dans le magazine, ayant déjà travaillé sur le spin-off de Nisekoi « Magical Pâtissière Kosaki-chan ». Pour l’adaptation animée, trois studios se chargent de celle-ci bien que la production soit réservée à Barnum Studio, connu pour Netoge no Yome wa Onna no ko ja Nai to Omotta? et les deux saisons de Ro-Kyu-Bu!. Au doublage, Ryota ÔSAKA (Climb dans Overlord) doublera notre héros Yuiga tandis qu’Haruka SHIRAISHI (Kirie Motoba dans Umaru-chan), Miyu Tomia (Gabriel dans Gabriel DropOut) et Sayumi SUZUSHIRO (Kei Shirogane dans Kaguya-sama : Love is War) doubleront respectivement Fumino, Rizu et Uruka.

Dans les faits, We Never Learn est un manga qui n’est pas forcément surprenant. Misant plus sur la comédie romantique que le côté érotique à la façon d’un ToLoveRu, il ne faudra pas s’attendre à l’animé de la saison. Comme pour beaucoup de manga du genre, We Never Learn plaira aux amateurs qui aiment les situations humoristiques et lycéennes. Les personnages en eux-mêmes sont des plus plaisants, chacun ayant sa petite personnalité. Ainsi, comme bien souvent, il y a de fortes chances qu’un personnage tape dans l’oeil du spectateur plus qu’un autre. De toute façon, avec ce genre de série, il y en aura pour tous les goûts !

ShiroiRyu

7SEEDS – Les racines de la daube

Vous connaissez peut-être le manga 7SEEDS. Excellent shoujo au ton hybride, entre histoires d’amour et survie, le manga de Yumi TAMURA (qui est aussi l’autrice de l’excellentissime manga fantasy Basara) ne manque pas d’arguments pour convaincre. Son histoire ambitieuse et bien menée, ses compositions fines et complexes ont forgé à l’œuvre une réputation solide et durable, du haut de sa trentaine de volumes.

Natsu Iwashimizu est une jeune fille peu assurée. Sa vie est celle d’une adolescente banale, mais elle manque de conviction et de foi en elle. Jusqu’au jour où elle se trouve propulsée sans savoir comment sur une île inconnue, en compagnie de trois comparses : une jeune femme au caractère très affirmé, un garçon de son âge particulièrement attentionné et un vil plaisantin un brin forceur. Il va donc falloir apprendre à composer avec cette bande aux caractères très disparates, mais également apprendre à survivre : car l’île semble receler un dangereux secret. Et c’est sans compter les soupçons qu’ils commencent à entretenir les uns vis-à-vis des autres…

Il devient de moins en moins rare de voir adapter des shoujos de qualité ces dernières années, en dehors de l’habituelle romance à l’eau de rose — bien qu’elle soit déjà, et c’est bien malheureux, très sous-représentée en animation. On compte évidemment l’excellent Banana Fish qui, si l’adaptation a été très décevante, n’en reste pas moins une œuvre phare du genre shoujo.

7SEEDS s’adresse probablement au même public, les fujoshis en moins : ce public féminin grandissant, et rendu d’autant plus accessible par la globalisation de l’animation japonaise. Mais il est probable que Netflix, qui produit et diffuse la série, veuille étendre un petit peu le champ et faire de la série une série débarrassée de ses quelques héritages shoujos qui seraient susceptibles d’écarter une part du public, notamment masculin.

En attendant de voir quelles auront été les directives du géant américain, rassurez-vous : on peut d’ores et déjà s’arracher les cheveux : Tôko MACHIDA est annoncée au script. Cette femme n’est pas peu célèbre, et pour cause : elle est responsable de quelques-uns des plus beaux ratages scénaristiques de ces dernières années. A son tableau de chasse, on compte ainsi le très palpitant et mémorable Hitsugi no Chaika (ou la platitude expliquée à un rouleau à pâtisserie), l’excellentissime Amnesia (qui offre une image très complète du vide intersidéral) et la magistrale adaptation de Dramatical Murder (apprenez à ruiner un très bon scénario en trois leçons simples). Hurlez, fuyez : je vous y autorise.

Nous pourrions nous arrêter là. Mais vous me connaissez : j’aime terriblement être insistant. Ajoutez donc un character design horrible et un réalisateur sans style, laissez tout ceci mijoter chez Netflix pendant quelques mois, au dernier moment annoncez un retard de production, et voilà ! vous avez l’assurance d’un massacre animé. Et ce n’est pas Gonzo, incapable depuis des années de produire quelque chose digne d’intérêt, qui va rassurer le spectateur frileux que je suis.

Alors autant être clairs : si vous avez la foi, jetez peut-être un œil, nous ne sommes pas à l’abri d’une très grande surprise. Mais si vous avez un peu de temps et que la série vous tente vraiment, dirigez-vous vers le manga. Avec un peu de chance, ça vous évitera des envies de meurtre.

Minuit

Kyochû Rettô – Même SYFY n’a pas encore acheté les droits

Adapté du manga du même nom, aussi connu sous le titre The Island of Giant Insects (où l’île des insectes géants pour les francophones, même si le manga n’a pas encore été publié chez nous), Kyochuu Rettou nous narre les événements suivant un accident d’avion ayant lieu lors d’un voyage scolaire, résultant pour ses occupants de se retrouver coincés sur un île déserte qui semble abriter des insectes plutôt hors normes. Les lycéens doivent donc braver ces ennemis mais également toute adversité qui peut se créer au sein d’un groupe qui doit cohabiter, le temps que les secours viennent les rejoindre.

J’ai ouï dire que le manga de référence semble traîner derrière lui une réputation plutôt dégueulasse, comme c’est souvent le cas avec les bestioles mutantes et autres monstruosités comme vues dans Terra Formars ou encore HxH. Même s’il est toujours compliqué de partir d’un bon manga d’horreur, on peut facilement dire que l’anime ne part vraisemblablement pas du bon pied pour être un chef d’œuvre.

Le staff va-t-il compenser ce scénario bancal ? Takeo TAKAHASHI sera en charge de la réalisation et liste sur son CV un panel plutôt éclectique d’animes, de la série Spice and Wolf où il était à la réalisation et au storyboard, pareillement pour Citrus, à la production du film Cyborg 009 Call of Justice, en passant par l’animation clé de Love Hina. Pourquoi pas. Le charadesign sera entre les mains de Takayuki NOGUCHI, après avoir essuyé les plâtres sur les séries et OAV Queen’s Blade, bien qu’il bénéficie surtout d’un parcours rempli par de l’animation clé. Citons également le studio Passione pour l’animation, qui était également de la partie pour Citrus, parmi d’autres séries plutôt moe. J’avoue, ça ne vend pas du rêve comme ça.

J’ai toutefois envie d’y croire, même si on court droit vers un nanar. De toute façon il faut déjà bénéficier de beaucoup de tolérance quand on cherche à visionner une série où des gens se retrouve coincés sur une île déserte avec des bestioles incroyables pour leur courir après. Et ce n’est pas J. J. Abrams qui dira le contraire. Rendez-vous fin juin pour admirer le résultat, inspiré des cinq premiers tomes parus.

Sacrilège

Rilakkuma et Kaoru – Hello Teddy découvre le monde

Le Japon aime les choses mignonnes, c’est bien connu. Et s’il y a deux choses auxquelles le Japon ne sait pas résister, ce sont les petites filles pour mâles en manque et les mascottes. Vous aimez les peluches ? Moi, oui. À la folie. Et comme je ne suis pas du tout prévisible, je vais laisser les fillettes aux pédotakus pour vous parler de mascottes kawaii.

Rilakkuma est un ours en peluche. Mais voilà, ce n’est pas un ours comme les autres : il mange, il dort, bref ! il agit presque comme un être humain. D’ailleurs, il a même emménagé chez une jeune femme, Kaoru, pour qui il est autant une source de réconfort que la cause de soucis répétés. Mais c’est aussi pour cela qu’il est si attachant.

Le personnage est relativement inconnu en Europe. Mais ne vous laissez pas tromper : c’est sans doute une des mascottes les plus célèbres en Asie, et de plus en plus en Amérique du Nord, aux côtés d’Hello Kitty ou de Domo. Les célébrités se l’arrachent, du rappeur Park Chanyeol qui possède une collection impressionnante de peluches à son effigie à Ariana Grande qui avait fait sensation en arborant une coque de téléphone à l’image du personnage.

Mais pourquoi donc évoquer un anime qui ne semble pas être autre chose qu’un gigantesque plan marketing ? Les raisons sont assez simples : c’est le studio Dwarf qui est en charge de l’adaptation. Le nom ne vous dit rien ? Sachez simplement qu’il s’agit sans doute du meilleur studio japonais spécialisé dans l’animation stop-motion, cette technique d’animation qui consiste à fabriquer de petites figurines pour en faire des photographies image par image.

Le studio Dwarf avait déjà réalisé une petite série de courts il y a quelques années autour du personnage. Le résultat était aussi attendrissant qu’absolument génial de créativité et de maîtrise technique.

Et une fois n’est pas coutume, Netflix semble enfin ne pas être une épine dans le pied pour un projet : la distribution de la série par le géant américain est autant une nouvelle étonnante qu’excessivement positive. D’abord parce que Rilakkuma n’est absolument pas connu en Europe, mais aussi et surtout parce que cela va totalement à l’encontre de tous les principes de production défendus par Netflix en animation japonaise. A savoir la modernisation — notamment vers la 3DCG — de l’industrie. L’animation en volume étant une des plus anciennes formes d’animation, mais aussi l’une des plus exigeantes et délicates, il est extrêmement encourageant de voir que ce procédé peut encore être utilisé pour des projets à grande échelle dans une industrie qui met de plus en plus souvent de côté des techniques jugées trop contraignantes.

Rilakkuma et Kaoru s’annonce donc comme une très bonne surprise, une véritable vague de fraîcheur et de bons sentiments en ce printemps. Réalisée par Masahito KOBAYASHI, un des piliers du studio Dwarf, je suis en tout cas certain de prendre plaisir chaque semaine à suivre les aventures de ce drôle ours.

Minuit

Birthday Wonderland – HARA au Pays des Merveilles

Dans la guerre de succession qui fait actuellement rage dans le milieu du cinéma d’animation japonais depuis la retraite de Hayao MIYAZAKI, le réalisateur Keiichi HARA semblait parti pour obtenir une bonne place. Un Eté avec Coo fut un grand succès, et Colorful était un film intéressant quoique déprimant. Malheureusement, le médiocre Miss Hokusai stoppe HARA dans son élan et le relègue en seconde division. La sortie très prochaine de Birthday Wonderland pourrait toutefois relancer l’étincelle.

Birthday Wonderland est adapté du livre pour enfants Chikashitsu Kara no Fushigi na Tabi (L’Etrange Voyage depuis la Cave) publié dans les années 80. Il raconte l’histoire de Akane, une fille timide qui rencontre un individu venu d’un monde parallèle. Ils s’y rendent ensemble et Akane devient celle qui sauve « Wonderland », le Pays des Merveilles.

La fille introvertie qui se retrouve dans un monde fantastique où elle va suivre des aventures grandioses, c’est le genre de script que l’on a déjà vu mille fois ; ne serait-ce que parce que tous les réalisateurs japonais depuis quinze ans essaient de recopier le Voyage de Chihiro en espérant remporter l’Oscar eux aussi. Birthday Wonderland passe donc quelques mois après Hirune Hime et Mary et la Fleur de la Sorcière qui racontaient exactement la même chose, mais le long-métrage de Keiichi HARA a de bonnes chances d’être le meilleur du lot. En effet le chara-design est signé par Ilya KUVSHINOV, illustrateur russe installé au Japon depuis plusieurs années et qui trouve là son premier gros travail dans l’animation. Son style légèrement inhabituel pourrait donner au film le supplément d’âme qui manque à tous ces ersatz de Ghibli qui pullulent en salles.

Birthday Wonderland est donc un projet assez banal à première vue, et clairement plus commercial que les précédentes réalisations de Keiichi HARA ; mais ce ne sera pas un problème si la qualité est au rendez-vous. Le long-métrage, dont la dernière bande-annonce a dépassé le million de vues sur Youtube, sortira le 26 avril au Japon et on ne doute pas que la France sera servie tôt ou tard.

Deluxe Fan

Les Enfants de la Mer – C’est à 4°C que l’eau est la plus dense

Aucun autre studio que 4°C ne pouvait prétendre à l’adaptation de l’extraordinaire histoire des Enfants de la Mer. Manga de Daisuke IGARASHI, véritable figure d’exception dans le paysage nippon, Les Enfants de la Mer jouit de la finesse et de l’extrême précision qui caractérisent son auteur. Quasiment inadaptables, les œuvres d’Igarashi sont nées d’un subtil mélange de la poésie et de la cruauté de la condition humaine. Et c’est sans compter l’imagination débordante, le trait foisonnant mais jamais oppressant, et la précision du trait qui rendent les planches d’Igarashi reconnaissables entre toutes.

Ruka est désormais grand-mère. Une virée sur l’océan en compagnie de sa petite-fille est l’occasion pour elle de raconter une étrange histoire, l’histoire extraordinaire de deux garçons, trouvés un jour par deux étudiantes, et visiblement élevés par un groupe de dugongs, en pleine mer.

Il faut revenir de nombreuses années en arrière. Ruka a un tempérament chaotique, difficile, traîne la réputation d’une jeune fille hargneuse et impulsive ; non sans raison. Exclue de son club de handball, elle déambule tout le jour dans la ville, et ment à sa mère, qui la croit à l’entraînement. C’est lors d’une de ces balades qu’elle rencontre Umi, un garçon de son âge, envoûtant, dont la peau scintille. Et pour cause : Umi est un Enfant de la Mer. Mais pendant ce temps, des poissons disparaissent mystérieusement des aquariums du monde entier. Des voleurs ? On en vient à en douter. Ce qui est sûr, c’est que quelque chose de grave se prépare, quelque chose qui lie Umi et un autre garçon, caché dans une chambre d’hôpital.

Un scénario simple, lent mais dense. Et surtout, une matière qui se prête à toutes les fantaisies. L’erreur première aurait été de faire une adaptation fidèle du manga ; et on peut vraisemblablement compter sur le studio 4°C pour prendre toutes les libertés nécessaires — et beaucoup d’autres. Le studio n’a en tout cas plus à faire ses preuves : Memories, Mind Game, Amer Béton. Pas besoin d’en ajouter davantage.

Au commandement du navire, Ayumu WATANABE (Space Brothers, Après la pluie), réalisateur chevronné dont la carrière est marquée par une sensibilité particulière aux mouvements de l’âme humaine. Mais il est surtout accompagné par Kenichi KONISHI, rescapé du studio Ghibli et ancien collaborateur de feu Takahata, qui occupe l’habituel double-poste de character designer et directeur de l’animation. Les fans frétilleront d’excitation en apprenant qu’Hisaichi compose la musique. Mais si le compositeur est indéniablement extrêmement talentueux, on ne peut pourtant s’empêcher de laisser glisser notre regard vers le nom de l’excellentissime, pour ne pas dire légendaire, directeur artistique Shinji KIMURA. La cerise sur le gâteau, ou plutôt sur la pièce montée de cinquante étages.

Mais après tout, il fallait au moins une telle équipe pour donner vie à la vision d’Igarashi dans toute sa profondeur, sa complexité et sa mélancolie. En attendant avec impatience la sortie du film, prévue pour le 7 juin au Japon et dès le 10 juillet en France (merci Eurozoom), vous pouvez, si ce n’est pas déjà fait, vous jeter sur le manga original. Ou garder la surprise, pour mieux vous y jeter avec avidité directement au sortir de la salle (pensez à l’emporter dans votre sac avant la séance, le besoin pourrait être tout à fait irrépressible).

Minuit

Twilight – La nuit ne tombe jamais sur Yamakan

Le retour de Zinedine Zidane au Real Madrid ne sera pas le seul comeback inattendu de la saison. En effet, Yutaka YAMAMOTO (surnommé Yamakan par ses nombreux amis) est de retour avec un nouveau film d’animation original. Toutefois à la différence de Zizou, le palmarès de Yamakan n’est pas bien flatteur et le seul titre qu’il a gagné dans sa carrière est de celui de champion du monde des trolls incompétents.

Yamakan a fait sa carrière chez Kyoto Animation, où il a notamment produit le phénomène Haruhi Suzumiya avant de se faire virer du studio pendant la production de Lucky Star. Dégoûté, aigri et haineux, Yamakan n’a eu alors de cesse d’insulter le public sur les réseaux sociaux en promettant de réaliser une série qui « sauverait l’animation » du cancer moe (c’est de lui que vient l’expression). Cette série c’est Fractale, dont l’échec cuisant signa la fin de la carrière de Yamakan… Pour un temps. Reconverti dans l’étrange business de l’animation d’idol caritative, Yamakan revient vers 2014 avec Wake Up Girls, une série racontant le parcours d’un groupe d’idol venue de Sendai, la ville japonaise la plus touchée par le séisme et le tsunami de 2011. L’anime en lui-même se fait surtout remarquer pour son animation ratée et son script bidon, mais cette nouvelle posture altruiste de Yamakan lui permet de reprendre pied dans le milieu.

Hakubô (Twilight) se situe dans la même vienne puisqu’il s’agira de raconter la romance de deux adolescents vivant à Iwai, une ville de la préfecture de Fukushima où se trouve la fameuse centrale nucléaire. Le projet fut l’objet d’une campagne de crowd-funding essentiellement publicitaire, puisque Yamakan demandait 15 millions de yen (environ 120 00€) ce qui est ridicule par rapport au coût réel d’un film d’animation au Japon. Cela dit la production n’a pas dû coûter si cher puisque Yamakan occupe les postes de réalisateur, scénariste, auteur original et directeur du son ; autant de gens en moins à payer. Les autres membres de l’équipe sont quant à eux des potes puisque le chara-designer Sunao CHIKAOKA a bossé avec Yamakan sur Wake Up Girls tandis que le compositeur Sôhei KANO a produit la bande-son de Fractale.

Hakubo pourrait être un film intéressant, apportant un regard sur les évènements les plus tragiques de l’histoire japonaise récente là où l’industrie actuelle a plutôt tendance à ignorer la réalité pour préférer les isekai virtuels. Il est néanmoins impossible de faire confiance à un clown tel que Yamakan, dont la célébrité est basée sur la polémique plus que sur la qualité. On sera tout de même présent pour juger le produit sur pièce, après tout, si Yamakan arrive vraiment à sauver l’animation on ne voudrait pas le rater.

Deluxe Fan

Promare – Trigger met le feu

Cela fait maintenant quelques temps que le public a compris que le studio Trigger est d’abord et avant tout une machine marketing bien huilée destinée à générer de la hype sur des personnes plutôt que sur des œuvres. On en a une nouvelle illustration avec Promare, le prochain long-métrage du studio qui s’est d’abord annoncé comme « le nouveau IMAISHI » avant d’expliquer clairement de quoi il retournait.

De quoi s’agit-il donc ? Le récit se déroule dans la ville de Promepolis, où des terroristes de l’organisation Mad Burnish ont pour projet de mettre le feu partout, au sens littéral du terme. Pour défendre la population, une équipe de pompiers d’un nouveau genre, les Burning Rescue, interviennent pour les affronter à l’aide de robots géants (parce qu’avec des robots, c’est tout de suite plus intéressant). On suivra notamment le combat entre Galo Tymos, nouvelle recrue des Burning Rescue, et le leader des pyromanes Lio Fotia.

Le synopsis promet plein d’action, et il y en aura c’est sûr, mais comme le révèle les trailers le film sera entièrement en CG pour tout ce qui concerne les scènes d’action donc on est tout de suite moins chauds. Peu importe cependant, car les production Trigger ne se vendent pas sur leur réel mérite artistique mais sur le niveau de hype généré auprès d’un public attiré par les noms au générique. Et ils seront servi puisque le réalisateur Hiroyuki IMAISHI sera accompagné du scénariste Kazuki NAKASHIMA (Gurren Lagann), du chara-designer Sushio (Kill la Kill), du mecha-designer Shigeto KOYAMA (Darling in the Franxx) et de compositeur Hiroyuki SAWANO (Shingeki no Kyojin).

Une brochette de stars pour un film que IMAISHI décrit comme « le mélange entre TTGL et KLK », ce qui pose la question de savoir pourquoi le choix d’un long-métrage plutôt qu’une série télé qui aurait touché un public encore plus large ? Là encore, les génies du marketing chez Trigger ont forcément un plan qui nous échappe encore, mais que l’on pourra voir en action lors de la sortie du film en mai prochain.

Deluxe Fan

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